EL BARROCO

                     LA HISTORIA DEL BARROCO

El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.¹
Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750).

                                                           LA ÉPOCA 
               POLITICA

Desarrollo de la organización política:
Los reyes apoyan su poder absoluto en: (1) socialmente en la aristocracia, a la que le interesa mantener la situación para no perder los privilegios y ocupar altos cargos en el Estado. (2) Económicamente en la gran burguesía -banqueros y comerciantes que se veían beneficiados por el absolutismo. (3) Ideológicamente en teorías que defienden el poder absoluto: para algunos pensadores - Bossuet- , el rey es el representante de Dios y de El viene el poder. Para otros - Hobbes- , el rey es la única fuerza capaz de mantener la tranquilidad en el Estado que de lo contrario estallaría en una guerra civil continua entre los diversos intereses.

                                                                  SOCIEDAD

Organización social: guerras, peste y hambre
- En 1618 la nobleza protestante de Bohemia se rebeló contra el imperio. Esto da origen a la Guerra de los Treinta Años , en la que intervienen casi todos los Estados europeos.
- Inglaterra vive en una permanente guerra civil. Jacobo I y Carlos I (de la dinastía escocesa de los Estuardo), intentaron establecer una monarquía absoluta, lo que provocó una guerra civil y la caída de la monarquía, sustituida por una república parlamentaria.
- Entre 1688 se produce la Guerra de la liga de los Augsburgo , en la que Austria, los príncipes alemanes, las Provincias Unidas, e Inglaterra, se alían contra Francia.
- En el 1697 se inicia una guerra que enfrenta a Suecia con Dinamarca, Polonia y Rusia. A éstas hay que añadir otras numerosas guerras en las que se entremezclan intereses políticos, económicos y religiosos.

                                                                CULTURA

La cultura del Barroco ofrece un profundo y revelador estudio sobre la historia intelectual de España durante este período, descrita como la respuesta dada por los grupos activos de una sociedad a causa de las graves fluctuaciones económicas del siglo XVII.
El Barroco se nos presenta, por primera vez, como una auténtica estructura histórica, donde el panorama total y los detalles de la época se articulan, interrelacionan y explican mutuamente.
Maravall dedica especial atención a reconstruir el modelo de pensamiento y percepción que proporciona los supuestos de la comunicación artística y literaria. Su capcidad explicativa se evidencia en toda su fuerza, por ejemplo, al desentrañar los rasgos estilísticos barrocos en tantos modos de acción psicológica sobre la colectividad, al aclarar el papel del teatro en su peculiaridad estética y en su dimensión pública, o al descubrir los objetivos sociopolíticos del empleo de los medios audiovisuales.
                                                                
                                                                    ARTE
 El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso.

El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.

                                                                LA MÚSICA
La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750.

Las principales características comunes de la música de la época barroca son:

• La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.
• La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...).
• El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).
• El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
• El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
• La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas.
• El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.
• El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación

                                                          LA EDAD DE ORO

LA EXPERIENCIA COMO MÉTODO CIENTÍFICO

En el periodo del barroco se dio un florecimiento general de las ciencias de Europa. En el campo literario brillaron Lope de Vega, Calderón, y Tirso de Molina, en España, y Racine y Molière en Francia. La pintura estuvo denominada por nombres como Velázquez, Murillo y Rubens.

                                     

EL SONIDO BARROCO

La sonoridad característica de la música barroca puede definirse por la introducción de las siguientes novedades:

-La utilización del bajo continuo. Se prefiere una melodía sólidamente apoyada en el bajo. El resto de las voces se convierten en un "relleno armónico", a diferencia de la igualdad que se dio en la polifonía renacentista. En las partituras se tiende a escribir solo la melodía principal y la parte bajo y a improvisar dicho "relleno armónico". Este procedimiento se conoce como bajo continuo.

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-Definición clara del ritmo. A lo largo del siglo XVII se generalizó la escritura de la música utilizando compases. El uso de esta unidad métrica solo fue común después de 1650.

-Nacimiento del estilo concertato. Supone la utilización de los distintos planos sonoros y timbres que pueden obtenerse de una orquesta, produciéndose así contraposiciones entre todos los instrumentos, un pequeño grupo, el solista o el coro.

LOS PERIODOS DE LA MÚSICA BARROCA

· Periodo primitivo (1575-1630): esta etapa coincide con el desarrollo de la polifonía neerlandesa, veneciana, romana y española, representadas por Palestrina, Victoria, Guerrero De Morales, Gabrieli y Di Lasso. Esta época musical tiene lugar durante el renacimiento, y se le ha llamado el periodo primitivo de la música barroca, aunque muchos estudiosos lo han considerado como el antecedente de la música barroca, quizás porque es el antecedente de la plenitud y de la época tardía de este estilo. 

 · El Barroco pleno: se extiende a casi todo el s XVII. En este siglo se desarrollan los estilos concertantes y algunas formas instrumentales. Las danzas antiguas se estilizan en suites instrumentales, y se desarrolla el bel canto. El barroco pleno, inicialmente ligado a Italia, se propaga hacia Francia y Alemania. En esta época la ópera adquiere nuevas características, surge la ópera-ballet y la comedia-ballet. También sufre una división en dos tendencias: la ópera bufa y la ópera seria. 

· Durante el barroco tardío se desarrollan las formas instrumentales basadas en la suite y el concerto grosso; este último es una forma musical en donde dos grupos instrumentales distintos tocan como si se tratara de un coloquio entre ellos, de tal suerte que parecería una conversación musical. Por su parte, la cantata tiene en este periodo un puesto junto al oratorio. 

                                               COMPOSITORES DEL BARROCO

• Barroco temprano, primitivo o alto (1600-50), período conocido como el seicento: alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un compositor de inusual talento, Claudio Monteverdi.

• Barroco o Barroco medio (1650-1700). Sobresalen en este período el compositor inglés Henry Purcell y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel.
• Barroco tardío o bajo (1700-50). El Barroco tardío está comprendido entre 1680 y 1730. Los compositores característicos de este período son Domenico Scarlatti en Italia, Georg Friedrich Händel en Inglaterra, Johann Sebastian Bach en Alemania y Jean Philippe Rameau en Francia.
• Transición al Clasicismo (1740-700) 

 

                                            MÚSICA VOCAL PROFANA

La música profana es el contrario de la música sacra, ya que la música sacra era creada respecto a Dios u otros símbolos religiosos (fiestas religiosas, santos, etc.), la música profana era música que tenía temas diferentes a los religiosos, que también servían para culturizar al pueblo,es decir música popular del pueblo
Así también se habla de la música profana del medievo o profana medieval la cual se desarrolló a finales del siglo IX, después de la aparición de la música gregoriana y casi al mismo tiempo que la polifonía, que eran otros periodos de la música, los cuales se consideran unas de las primeras épocas musicales en la cual no las separaban por la zona en la que fue creada sino por género musical, ya que antes se separaban por la música de Grecia, Roma, China, Japón, Egipto, oriente medio y los aborígenes (para a alguien autóctono de una zona -la música aborigen abarca la música americana, africana y oceánica-). La música profana medieval buscaba divertir al pueblo, (historias de amor, romances, etc.). Con este tipo de música surgen los famosos juglares que eran cantantes que iban de pueblo en pueblo, (ya sean insultos referidos a Dios, o cosas no necesariamente malas, si no con otros temas) o herejías sólo por diversión. Dentro de la música profana podemos distinguir entre: - Música popular - Música culta

                                        EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA

La camerata fiorentina era un grupo de nobles y artistas humanistas que se reunían en el palacio del Conde Bardi para tratar de recuperar el legado artístico greco-romano. Eran algo así como unos frikis del mundo clásico. Estudiando sus libros de la antigüedad descubrieron que las obras de teatro eran interpretadas cantando acompañados de la lira, instrumento de cuerda parecido al arpa. De este modo, los artistas de la camerata fiorentina trataron de realizar obras de teatro que imitasen aquellas de la época clásica, en las que los actores cantasen el texto. Y así, sobre 1600, surgió la ópera.

Claudio Monteverdi era del círculo culto de la camerata fiorentina, así que realizó una de las primeras óperas de la historia: Orfeo. Las historias pertenecían siempre a la mitología griega de la antigüedad, como era de esperar. Ya digo que eran muy frikis: todo lo que no fuese clásico grecorromano era considerado de mal gusto.

                                        CARACTERÍSTICAS DE LA ÓPERA

Es una forma musical narrativa que utiliza la representación escénica. Precisa de un escenario, orquesta, coro y solistas. Se desarrolla en varias partes:

- obertura: sección instrumental que da comienzo a la obra.

- partes cantadas por coros y solistas: en función del contenido del texto los solistas pueden cantar en estilo aria o recitativo.

- interludios instrumentales que se intercalan articulando las distintas partes de la obra.

                                                          TIPOS DE ÓPERA

Ópera seria es un término musical italiano que remite al estilo noble y "serio" de la ópera italiana que predominaba en Europa aproximadamente entre los años 1720 y 1770. El único rival popular de la opera seria era la opera buffa, el subgénero cómico sobre el cual la comedia del arte y su tendencia a la improvisación ejercieron una gran influencia.
La opera seria italiana (que siempre contaba con libretos en lengua italiana) se componía no sólo en Italia, sino también en la Austria de los Habsburgo, Dresde y otros estados alemanes, Inglaterra y España, entre otros. Sólo Francia desarrolló su propia tradición operística.


La ópera bufa (del italiano opera buffa, también denominada commedia per musica o dramma giocoso per musica) es una ópera con un tema cómico. Se desarrolló en Nápoles en la primera mitad del siglo XVIII. De allí se difundió hacia Roma y el norte de Italia. Su contraparte estilística es la ópera seria.
El subgénero fue la evolución musical de la ópera y de la llamada ópera seria. Una de las funciones que desempeñaba la ópera en ese momento era aplicar algunas técnicas y estéticas propias de la música seria, como el oratorio y la cantata, en contextos más accesibles para los músicos y el público. La razón para el gran éxito de la ópera en general, ha sido este tipo de acercamiento a temas más populares y entendibles, junto con el acercamiento contemporáneo al teatro, de comprensión relativamente universal. Otros subgéneros que se relacionan con la ópera bufa, en su intención de conectar a una audiencia más amplia son la tonadilla y la zarzuela en España,Opéra-comique francesa o el singspiel alemán.
 
                                                    MÚSICA VOCAL RELIGIOSA

La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo un gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica aprovecharán las innovaciones que se dan en la música profana para crear nuevas formas.

Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será el “policoralismo”, que se dará sobretodo en la escuela veneciana. Esta técnica surge en la iglesia de San Marcos (Venecia), cuyo espacio arquitectónico permitió la colocación de dos coros contrapuestos. El músico Giovanni Gabrieli, y más tarde Monteverdi, experimentarán en esta línea de creación.

En Alemania destaca especialmente la personalidad de Heinrich Schütz (1585-1672). En sus Salmos de David usa todo el lenguaje italiano: grandes coros, solistas, instrumentos en concertado, con lo que consigue una sonoridad típica del barroco colosal. Se llega en ellos a una unión íntima entre la música y texto.

En Roma evolucionará exigiendo varios coros que se colocan en distintos lugares de la iglesia. El ejemplo más espectacular lo encontramos en “La misa de la catedral de Salzburgo”, compuesta para 53 voces que se colocan en distintas posiciones ocupando todo el perímetro de la iglesia. Esta misa se le atribuye a Orazio Benevoli.

                                                    LOS INSTRUMENTOS

 El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por ejemplo el violín, el clavecín y el órgano; se cultivó intensamente la música de cámara para grupos instrumentales.

También aparecen intérpretes virtuosos que por su gran destreza técnica explotan al máximo el instrumento, como Johann Sebastian Bach y Dietrich Buxtehude en el caso del órgano; Domenico Scarlatti, Jean Philipe Rameau y François Couperin al clavecín; Gottfried Reiche (1660-1734) a la trompeta; y Antonio Vivaldi, Arcangelo Corelli y Giuseppe Torelli en el violín.
En esta época, el clavecín, el órgano, la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín, el violonchelo y el pianoforte.
El laúd, el instrumento renacentista por excelencia, cayó en el olvido ya por 1690-1700, desplazado por la guitarra y el clavecín.

                                                              LA SUITE

Una suite  es una obra musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danza barroca. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Para que se mantuviera unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata que se origina en el siglo XVII.
Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una alemanda, de ritmo rápido; luego una corrente y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la giga. La suite tuvo su apogeo con Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach, durante el siglo XVIII. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de «contraposición», típico del Barroco.

                                                                       La Cantata

El término cantata significa etimológicamente “música para cantar” y surge en contraposición a la sonata (música para sonar). Es un género de origen profano, destinado a ser interpretado en los salones de la aristocracia, pero es inmediatamente aceptado por la iglesia, especialmente en Alemania, y tiene especial importancia en la religión protestante con Juan Sebastián Bach, cambiando el texto, que ahora se basará en fragmentos del Evangelio, salmos y otros temas religiosos.

Por lo tanto, podemos definir la cantata como una forma musical compuesta sobre un texto profano o religioso de carácter lírico en el que intervienen solos, orquesta y coros, y formada por arias, ariosos y recitativos. Es donde la voz experimenta sus posibilidades y donde nace ya el gusto por el virtuosismo canoro.

Autores:

Entre los cultivadores de esta forma destacan Luigi Rossi (1598-1653), Giacomo Carissimi (1605-1674),  Alessandro Scarlatti (1660-1725) y a  G.P.Telemann.

La cantata se hace religiosa en Alemania y llega a su “Edad de Oro” en el culto luterano. Ya había surgido un siglo antes de Bach y en el camino están compositores importantes como Heinrich Schütz y Buxtehude, autor de más de cien cantatas. La cantata constituye el elemento más destacado del culto luterano, y no falta cada domingo y festividad del año. Usa como elemento más importante y unificador el coral, que encarna el espíritu luterano. Johann Sebastián Bach es el gran autor de cantatas y componen más de doscientas.

                                                               

                                         El Oratorio

La iglesia necesita más que nunca la música para impresionantes ceremonias y como medio para influir sobre el cristianismo, a fin de que éste sienta la religión no sólo racional, sino emocionalmente.

El oratorio es una forma vocal religiosa, de carácter narrativo. Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados que ésta (orquesta, arias, coros, interludios, recitativos…). Además, tiene otras similitudes como la gran extensión y el carácter dramático; sin embargo en el oratorio encontramos características propias:

• Los textos son religiosos, extraídos del Antiguo o Nuevo Testamento; vidas de santos.
• El oratorio no se escenifica, es decir, los personajes sólo cantan, no actúan.
• Se interpreta en un lugar de culto sagrado.
• Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el recitativo.

 El objetivo de esta forma es catequizar a los creyentes. Su nombre viene del oratorio de San Felipe Neri (funda la congregación del Oratorio): lugar donde se reunía con los discípulos a orar. Surge en Roma, pero se extiende rápidamente a otras ciudades como Florencia, Mantua, Venecia y a otros países, especialmente Francia e Inglaterra.

Existen dos tipos de oratorios: a) el oratorio latino escrito en latín y representado po Carissmi  y b) el oratorio vulgar, escrito en italiano y representado por autores como A. Scarlati.

Autores:

El primer gran autor de oratorios es Giacomo Carissimi que, con su obra Jepthe, lleva esta forma a una gran perfección. Este autor convierte al coro en el gran protagonista del oratorio, dándole una gran fuerza dramática y rítmica, para lograr una mayor efectividad. Se sirve, por otra parte, de todos los elementos típicos del lenguaje barroco, como el estilo concertado. El gran continuador del oratorio es Haendel.

El oratorio llega a su mejor momento con Georg Friedrich Händel (1685-1759). Sin embrago, Haendel no comienza con esta forma, sino con la ópera, y compone música para la clase burguesa, menos frívola y más preocupada por problemas ético-religiosos; a ella dirige sus oratorios, con los que consigue sus mejores obras, una mezcla de coros fastuosos acompañados de una orquestación magnífica que nos lleva a una de las cumbres de toda la producción musical barroca. Como en las cantatas y pasiones, el coro es símbolo de la voz del pueblo, por lo que en él vierte una música de enorme emoción. Hace un importante uso del estilo fugado. Su oratorio más famoso es El Mesias.

                                         La Pasión

Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de Jesucristo, inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la forma, la pasión también tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura del narrador es el evangelista que relata mediante un recitativo todos los acontecimientos. Los personajes importantes del Evangelio son interpretados por los solistas, mientras que otros personajes (discípulos, pueblo…) son interpretados por el coro. Al igual que el oratorio no tiene representación escénica.

Autores:

El compositor más destacado de este género es J.S.Bach, con dos obras fundamentales:  La pasión según San Mateo  y  La pasión según San Juan.

Otra gran personalidad del último barroco alemán, compositor de esta forma musical, fue Georg Philipp Telemann (1681-1767) , quien escribió 44 pasiones; su música presenta un carácter más alegre (prueba de la influencia francesa) que se refleja en la importancia que da a la melodía, muy agradable; él mismo señala que “la música no debía ser un trabajo, sino una  forma de felicidad”.